viciada(o)

"Viciada", The Big Banger Theory - Full Mixtape (2014). Profjam.

A música mais sexy e charrada da mixtape, ou, bem vistas as coisas, talvez mesmo a melhor música. Esqueçam lá os "grandes produtores da electrónica mundial"; este é dos melhores beats que ouvi nos últimos tempos e é produto caseiro.


Adenda: afinal não, não se trata de produto caseiro; voltemos, que remédio, para "os grandes produtores da electrónica mundial".

to whom it may concern (2)

A minha Dissertação de Mestrado, apresentada e defendida, em Janeiro deste ano, na Faculdade de Direito da Universidade do Porto, foi publicada há dias, com o título O Ordenamento do  Espaço Marítimo - Para um corte com uma visão terrestrialmente centrada do ordenamento do território. O antedito corte já começou, felizmente, a ser feito, com a Lei n.º 17/2014, de 10 de Abril. A quem interessar, deixo aqui o link (clicar).

deixa eu dizer o que penso dessa vida, preciso demais desabafar

Bom: como diz o outro, foi um dia cheio de emoções fortes. 

to whom it may concern

"To Whom It May Concern", álbum Horace Silver And The Jazz Messangers (1956).

No próximo dia 26 de Junho, quinta-feira, serei orador no Seminário "A nova Lei de Bases da Política de Ordenamento e de Gestão do Espaço Marítimo Nacional", que terá lugar em Lisboa - todas as informações e mais algumas ali ao lado (clicar). O ordenamento do espaço marítimo tem sido um dos temas em que tenho centrado a minha investigação (até há registo disso neste espaço) e que está, finalmente, a ser tomado a sério pelos agentes políticos.

Isto dito, consegui juntar, num só post, um título útil (o convite para o Seminário estende-se, de facto, to whom it may concern), uma música fabulosa e uma homenagem ao grande Horace Silver, recentemente falecido. My concern.

preto e branco

"1930", álbum CLUB 120º (2014), Alcool Club.

Embora não consiga reconhecer, ao certo, de onde a capa (que se vê acima) de CLUB 120º (2014), o novo álbum dos Alcool Club, é "samplada" (para usar um termo caro ao hip-hop), vi nela, desde o primeiro momento, uma homenagem ao cinema noir dos anos 30 e 40. E é para isso que, nem de propósito, a primeira faixa do álbum, intitulada de "1930", aponta: Eram os tempos da tela branca e preta / extorsão, corrupção, jogo ilegal / lei seca / ruas vestidas de preto e branco / onde a confiança era o mais importante.

Canção-retrato (imaginado/sonhado/mitificado, como estas coisas se querem), portanto, das relações de força, do submundo, da sedução entre homens e mulheres: Cagney, Bogart, Mitchum, Lupino, Jane Greer, Wayworth. É neste mundo que, por coincidência, os meus olhos têm viajado nos últimos tempos; um mundo plasticamente, mas não só, a preto e branco, ou não fossem valores como a lealdade, a honra, o respeito, enfim, o street cred, tudo coisas que não admitiam cinzentos. Ou se tinha ou não se tinha.

visões de Atlantis

"Atlantis", álbum CLUB 120º (2014). Alcool Club.

"Deslizo nas minhas ideias

como sobreviventes de tsunamis

agarrado a corações

e a fragrâncias de anis

Eu tenho visões de Atlantis

que eu tanto quis...

mas tenho uma raíz que me prende

a este país

(...)

Problemas são muitos

e aparecem todos juntos

és puxado pelo sol

ao mesmo tempo pelo mundo

Amor...

é um perfume que eu já não uso

é um cheiro passageiro

que te deixa confuso"

Walsh #12 - Crítica "Un condamné à mort s’est échappé" (Noutras Salas)

Há tempos, anunciei o início do Ciclo de Cinema Liberdade, programado pelo Cineclube de Guimarães. O ciclo fecha amanhã, com Un condamné à mort s’est échappé (1956), de Robert Bresson. O meu texto no À Pala de Walsh é uma versão ligeiramente mais extensa daquele que, a convite da Direcção do Cineclube de Guimarães, escrevi para o ciclo, e que, por isso, mais do que uma crítica convencional - que não é -, procura interrogar-perscrutar o cruzamento da(s) ideia(s) de Liberdade neste filme de Bresson. Teria dado para mais (muito mais), mas o tempo, esse, por estes dias só está "para menos". Para ler n' A Pala (clicar).

Deste modo, pergunta-se, será que a filosofia que insufla Un condamné casa bem com a ideia de Liberdade (de auto-determinação e auto-responsabilidade), ou, pelo menos, com uma certa ideia moderna (existencialista, em grande parte) de Liberdade? Quando ao homem não chega a sua auto-determinação, antes carecendo do tal plus transcendental, de que Liberdade falamos ao certo? E a que Liberdade podem (se é que podem) aspirar aqueles a quem a Graça não é concedida, isto é, os “pecadores”?

(Excerto)

"Keep him spinning!"

Na senda daquilo que noticiei aqui há tempos, deixo agora link para esse enciclopédico trabalho organizado pelo À Pala de Walsh: a tradução, para 9 (!) línguas, da crítica do filme predilecto de João Bénard da Costa pelo próprio, Johny Guitar (1954), do grande Nicholas Ray. Para ler e divulgar - ali.

motion

High Sierra (1941), Raoul Walsh.

You know, sometimes, when you're out at night, you look up at the stars and you can almost feel the motion of the earth... Bogart refere-se às estrelas, mas nós sabemos que é do amor, do movimento ("motion") que o amor imprime em nós, que fala.

João Bénard da Costa

O À Pala de Walsh iniciou esta semana um importantíssimo dossier sobre a vida e obra de João Bénard da Costa, homem do e de cinema em cujas críticas aprendi muito a ver cinema (porque se aprende, de facto, a ver cinema; na verdade, o olhar é uma função vital cujo desenvolvimento exige treino como qualquer outra, com a agravante de, qual pecado original, estar poluído e maculado pela avalanche, por um lado, de imagens que, paradoxalmente, ninguém sabe ler no mundo actual, e, por outro, pela velocidade dos tempos, cujo reflexo mais pernicioso é o da intolerância das pessoas à reflexão e à contemplação: é um triunfante e perigoso tempo anti-intelectual o que vivemos, em que o gosto está mais padronizado do que nunca e todos os que nele não se enquadram ou que, enquadrando, vão mais além, são "pseudo-intelectuais"; é o que acontece no cinema, mas não só).

O primeiro texto é do Carlos Natálio e o mais recente é do Manuel S. Fonseca, cronista e crítico com quem JBC comandou, durante muitos anos, os destinos da Cinemateca. Não deixem de acompanhar este dossier in-progress.

"Belo é o paradoxo pelo qual o maior crítico português de todos os tempos precisa das aspas para entrar nessa função. Bénard considerava-se “crítico”. A explicação dá-a ele melhor do que ninguém. O trecho é grande mas mais esclarecedor não podia ser: Nunca serei eu a rejeitar a famosa definição baudelairiana de crítica, quando lhe exigia parcialidade e paixão. Nunca serei eu a anateminar terrorismos por estas bandas. Nunca serei eu a defender os jogos perigosos da transparência. Mas precisamente porque sei donde se fala – quando se fala com paixão crítica (dois termos que só não são antagónicos quando são um pelo outros envolvidos) – sempre me afastarei de um texto crítico quando esse secundarizar a elucidação do que critica (a sua plena iluminação) ou a formação do gosto de quem eu quero que goste tanto como eu gosto e que, se possível, goste como eu gosto. Talvez por isso aplique sempre “aspas” ao crítico que outros vêem em mim. Certamente por isso, não desculpo aos críticos o abastardamento do gosto, de que começaram por ser vítimas e acabaram por se fautores. E sobretudo por isso não perdoo que se seja crítico sem gosto, a contragosto ou com desgosto. Com nenhum desgosto aprendi nada. E a aprender a gostar é tudo quanto pedi e peço aos críticos de quem gosto.

(...)

No meio de tudo isto perdia-se o essencial da crítica para Bénard, a formação do gosto que no seu caso começou com a revista Vértice, a Telé-Ciné, mais tarde dos Cahiers claro está. Essa formação ganha requintes platónicos: Aprender para gostar. E até lhes devo [aos críticos] – já noutro nível – que me tenha confirmado o que pressentia, muito antes, noutras dimensões: que é preciso que exista o gosto para haver conhecimento e que se começa sempre por gostar do que não se percebe até se perceber que se gostava porque já se percebia". 

Walsh #11 - Das imagens floridas/Wolke 9 (Sopa de Planos)

Wolke 9 (2008), Andreas Dresen.

A nova Sopa de Planos do À Pala de Walsh está aí, desta feita dedicada às... flores. Demorei algum tempo a encontrar o plano adequado, mas, pessoalmente, fiquei muito satisfeito com o resultado (mais do que o meu texto, com o plano escolhido). Não deixem de ler e... cheirar. Neste jardim aqui ao lado (clicar).

O título do filme de Andreas Dresen terá baralhado muita gente: “Wolke 9 (Cloud 9, em inglês)? Porquê? Nuvem nove?!”. Para os americanos, a expressão (being on) cloud 9 significa um estado extremo de alegria ou euforia, ou seja, e em bom português, “estar nas nuvens” (tudo porque, na classificação científica das nuvens, que a há, a nona categoria corresponde à cumulonimbus, a nuvem que mais alto se consegue elevar). O que não deixa de ser curioso, uma vez que a alusão às nuvens tanto serve este sentido (de alegria), como o diametralmente oposto (alguém que vive com “nuvens na cabeça”; os dias serem “nuvens cinzentas”). Certo é que, não por acaso, neste plano, nenhuma nuvem – das últimas, as tristes e amargas – pontua o céu: o céu está limpo e a sua tonalidade ligeiramente violeta faz um dégradé lindíssimo com o vermelho exuberante da imensidão de flores que, em profundidade, nos leva até aos dois vultos que vemos, ao fundo, montados numa bicicleta. À frente vai Karl; no seu encalço, Inge, uma mulher na casa dos sessenta que, casada há mais de 30 anos com Werner, encontra em Karl uma renovada fonte de amor, de carinho e desejo. Tal como acontece com as flores, Inge desabrocha nesta Primavera (é a “Primavera da sua vida”, por oposição ao seu outonal/invernoso casamento), estação, aqui, de um vermelho primário (o das flores e o da própria Inge, que, como se costuma dizer, ganha outra cor), em sintonia com o “primitivismo” do seu amor por Karl, porque, afinal, na juventude ou na velhice, o amor faz-se de passeios de bicicleta, de piqueniques à beira-rio, de cumplicidades tolas. Na juventude ou na velhice, o amor é estar na… wolke 9.

Say I wanna know

"Say I Wanna Know", álbum Time's All Gone (2012). Nick Waterhouse.

I was checkin' out she was chekin' in

 

"I Was Checkin' Out She Was Checkin' In", álbum Super Dude I (1973). Don Covay.

 

É, provavelmente, a melhor canção sobre traição que já ouvi. No entanto, tenho para mim que seria ainda mais bela - e a verdade é que a letra permite essa leitura -  se as personagens envolvidas não fossem marido e mulher, mas sim antigos amantes  ("amantes" não no sentido de escapadela, mas de namorados ou companheiros de um amor assolapado) que, tendo-se separado e desaparecido do mapa um do outro há muito tempo, se encontram, como descreve a letra, no parque de estacionamento de um hotel.

 

An all of a sudden another car
pulled up on the parkin' lot
But I couldn't believe my eyes
'Cause the woman that was sitting
in the front seat beside another dude
Turned out to be my old lady

87 anos; poucos de memória

Tinha 87 anos; poucos de memória. Os suficientes para se lembrar da casa onde, até casar, havia vivido com os seus pais (curiosa a inversão, a que os médicos atribuem carácter patológico, pela qual, quando a memória fraqueja sem piedade, as primeiras memórias se nos reavivam com nitidez).

Tinha 87 anos e, por essa altura, começou a rondar com regularidade a antiga casa dos seus pais, sem saber que, hoje, essa casa era outra, que os seus pais já não faziam parte deste mundo. Procurava os pêssegos que, encavalitada nas costas do pai, arrancava dos ramos das árvores, tentava entrever a casota do cão a que a sua irmã sempre dera mais atenção que ela própria, esforçava-se por ouvir o chiar do baloiço.

Certa vez, foi a uma consulta e o marido contou à médica sobre as suas incursões. Diagnosticaram-lhe uma doença comum, essa que funde a alienação com o romantismo, a infantilidade com o idealismo, enfim, um certo renascer, tolo e belo, na velhice. A médica aconselhou o marido a não contrariar os seus ímpetos e receitou o que era devido. Por essa razão, o marido passou a acompanhá-la, diariamente, religiosamente, nessas rondas, fazendo o melhor que sabia. Numa delas, insistindo impacientemente com o marido que queria entrar em casa (se era sua, por que motivo não havia de entrar?), este não viu outra solução que não tocar à porta de casa. Um homem dos seus 30 e poucos anos assomou. O marido explicou-lhe, por meias palavras e sobrolhos embaraçados, o caricato da situação, que a sua mulher já não estava muito bem da cabeça, coitada, que pensava que aquela era a casa que em tempos fora a sua e dos seus pais. Foi tudo muito constrangedor, mas o homem acedeu e deixou-os entrar. Disse-lhe que era o carpinteiro e que o seus pais haviam saído justamente há momentos, que não sabia se voltariam tarde ou cedo, que não tinha ideia, que tinha trabalho para fazer por toda a casa. Ela estranhou o carrinho de bebé ao lado da mesa de jantar, mas não fez caso. "Bem, não o quero incomodar, os meus pais certamente não apreciariam, como saberá se trabalha nesta casa. Se não sabe quando eles voltam, diga-lhes que passei cá e que vou dar um passeio, que talvez volte mais logo à noite". Não chegou a ir ao jardim.

amor/amei

Há uma dissonância essencial entre o tempo-substantivo (a passagem do tempo) e aquilo a que estamos habituados chamar de tempos verbais (tempo-verbo, neste sentido). Entre, portanto, um elemento da ordem do ontológico e outro da língua e da gramática. Podemos tentar adulterar a realidade mexendo nos tempos verbais: se quisermos acreditar que já ultrapassámos determinado acontecimento, podemos utilizar o pretérito (o perfeito para os mais convictos, o imperfeito para os titubeantes). Disse "tentar": o truque na formulação temporal do verbo não muda, na verdade, os substantivos, ou seja, a realidade. Assim é - daqui sobressai, límpida, a dissonância - precisamente porque os substantivos - novamente: a realidade - só se alteram verdadeiramente com a passagem do tempo (a dor pela perda de alguém, por exemplo). Caímos frequentemente no erro de recorrer aos tempos verbais como método artificioso de superar as tristezas, sem percebermos que o peso dos substantivos - esses, sim, o problema - deve ser combatido com outras armas.

Tabu (2012), Miguel Gomes.

o contra-campo é uma questão de moral

Objective, Burma! (1945), Raoul Walsh.

O Luís Mendonça "precisou de o dizer" e disse-me muito bem:

"Face a "The Thin Red Line" ou "Flags of Our Fathers", este filme de Walsh arrisca cair numa certa visão aligeirada da guerra, mostrando, no começo, os bons soldados americanos a massacrarem os seus inimigos com um sorriso estampado no rosto, como se estivessem a desempenhar uma tarefa rotineira ou natural, para depois se lançar na mais alta indignação e sentimento de horror e ódio face à barbárie cometida pelo inimigo. O jornalista no grupo chega a deixar fugir qualquer coisa como "gente desta devia ser eliminada da face da Terra". A câmara de Walsh não promove o contra-campo, moralmente justificado, aqui, porque para ela não parece haver dúvidas de que a chacina de japoneses é "entertainment" mas a morte de americanos constitui um momento político sério, mesmo que catártico. Preciso de o dizer: este desequilíbrio moral não sabe e não soa bem hoje.

Não consigo ser cúmplice do grupo de cinéfilos para os quais tudo é cinema ou um jogo de formas e sons, porque quando entramos no domínio da definição do Humano (ou do que resta dele), lamento dizê-lo, mas o cinema não basta. O caso deste filme de Walsh não é, seguramente, o mais grave - não é um "The Birth of a Nation", onde curiosamente Walsh entra no papel do assassino de Lincoln, filme paradigmático de alguns dos problemas que se podem interpor na relação da cinefilia com o mundo, principalmente uma certa totalização da experiência pelo cinema (como se este último, de facto, bastasse para esquecermos tudo o mais...)".

dust

"Dust", mixtape WinterSpringSummerFall (2014). Boots. Videoclip realizado por Carey Stricker.

Por mim, o videoclip ficava pelo segundo plano-sequência. Mas também não está mal assim.